Balago – Darder: mayor sofisticación y ambientes cósmicos más ambiciosos [Ferraia]

Balago-Darder

La de Balago continúa siendo una carrera prácticamente impoluta en la que siguen experimentando disco a disco, ofreciendo un rendimiento mayor. Seguramente ni siquiera en nuestro país sean especialmente recordados o reivindicados, pero siguen conformando uno de esos recovecos en los que refugiarse para desconectar de la civilización y encontrar un referente ambiental que puede ser de primer orden, y así lo atestiguan con su nuevo disco, el quinto ya de su carrera: Darder (Foehn Records). En él deforman algo más la arquitectura de su música, basada en atmósferas oscuras y translúcidas en las que dar rienda suelta a la imaginación, y probablemente sea su mejor álbum hasta la fecha.

Darder, hacia un horizonte más épico y no tan gris

Tras más de diez años de trayectoria y un puñado de discos emocionantes en los que ahogarse en la miseria o emocionarse con leves toques de épica ambiental, David Crespo ha sido el único que ha sobrevivido a Balago, participando en todos los álbumes. Desde que llegara Roger Crespo en su último trabajo, Extractes d’un Diari, para acompañarles a él y a Guim Serradesanferm, han aumentado las dosis de experimentación en el conjunto, algo que, por otra parte, ha sido inherente a la carrera de este proyecto de La Garriga (Barcelona).

Darder representa un cambio en la configuración musical de Balago, que siempre han estado en el terreno del ambient, pero con alguna influencia del post-rock, mimetizando rasgos de este. Con este nuevo material, han utilizado su cacharrería electrónica para elaborar su disco más cósmico y volátil, ganando en épica de dark ambient y generando diferentes paisajes de los que nos tenían acostumbrados. Si escuchar sus discos en otras ocasiones era comprar un billete de ida para la melancolía, los recuerdos grises y la soledad, esta faceta se ha visto bastante mermada. Enfrentarse a Darder es inmiscuirse en un viaje interestelar, repleto de sofisticación y llanuras de tensión. En este sentido, y como viene siendo habitual en el grupo, la temática del álbum queda reflejada en su portada.

Balago no es un grupo con el que se puedan emitir juicios a la primera de cambio, y sus discos tampoco. A pesar de algunas composiciones minimalistas, se pueden descubrir diversas texturas en las raíces de las canciones, por lo que hay que ir poco a poco con él y con paciencia, encontrando y valorando los detalles. Con este nuevo trabajo, en cualquier caso disminuye la probabilidad de que te eche de primeras (si no eres de ambient) porque el grupo ha venido reduciendo el minutaje desde su último disco, y con este nuevo lanzamiento, debido a los cambios en el engranaje sonoro, hay más pasajes a los que volver una y otra vez.

En Extractes d’un Diari el trío ya había apostado por algo más de músculo para crear un ambiente más acaparador e igualmente hipnótico, pero en Darder la ventaja es que es un disco más concentrado y corto, lo que a la postre lo hace más intenso con respecto a producciones anteriores. Esa intensidad empieza desde el minuto uno, con ‘L’Explorador’ acongojando desde todos lados, mientras acompañan texturas frías y líquidas que transmiten esa sensación de soledad y angustia, que en esta ocasión no predominan en el álbum. Pronto se expande esa atmósfera más épica y contundente en cortes tanto como ‘Foc de Camp’, donde parecen influenciados por un Jean Michel Jarre a cámara lenta, como en ‘Nord’, en la que recuerdan al pop militar y grandilocuente de Dernière Volonté. En sendos casos, los temas tienen su parte de sintetizador que emite sonidos más luminosos y nítidos, algo que contrasta con el modus operandi que los barceloneses venían poniendo en práctica.

Emociones a flor de piel

La quietud y los momentos de introspección que acompañan a Balago ahora se pueden ver interrumpidos por industriales irrupciones con sonidos erráticos y diversos sampleados (‘El Penúltim’), cuando en anteriores interpretaciones de su ambient preferían desarrollar composiciones que en muchas ocasiones se hacían demasiado extensas. Es un acierto no sólo acortar los temas, sino salir de ese pozo en el que era tan fácil ahogarse. Salir de él para acercarse a un abanico sonoro más amplio, en el que tienen cabida las arquitecturas elegantes y evocadoras de la naturaleza como ‘Cignes’ (cisnes) o las melodías primigenias de ‘L’Etern Retorn’ es sin duda un paso necesario en su carrera para poder abarcar más límites sonoros.

Al fin y al cabo, las sensaciones son el principal fuerte del ambient de Balago; electrónica compuesta para abrir los sentidos y cuyo fin es satisfacer esas necesidades de relajación, melancolía o, en este caso, también liberación, que en ocasiones necesitamos. Esta vez, con Darder, han pulido la sofisticación de su música, aunando los patrones característicos del proyecto como las melodías grisáceas y desarrollos hipnóticos, con mayores momentos de épica y acercamientos a coordenadas más alegres que no desentonan con la idiosincrasia del grupo.

Haber acortado el número de pistas y reducirlas hace que sea uno de los discos de más fácil digestión de Balago, que entra de una forma más accesible de lo que acostumbran sus álbumes. Lo mejor de todo es que lo hacen sin radicalizarse, sin llevar nuevos postulados hacia polos opuestos.

nota-BalagoManteniendo un cierto equilibrio, han confeccionado un trabajo que parece una banda sonora lunar, evocando viajes cósmicos pero también transmitiendo la calma que irradia estar alejado de la civilización. Composiciones cerebrales que en algún momento oprimen, pero que la mayor parte del tiempo emocionan, tomando sin complejos la misma órbita de artistas de la talla de Tangerine Dream o compositores como Klaus Schulze. Un viaje ineludible para los acérrimos del ambient.


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Franz Ferdinand – Right Thoughts, Right Words, Right Action: adiós, amigos y amantes [Poliptoton]

Franz Ferdinand - Right Thoughts Right Words Right Action

Hace un año y medio el Primavera Sound anunciaba la presencia de Franz Ferdinand en su próxima edición y en cuestión de minutos internet entero empezaba a rasgarse las vestiduras. “¡Ah!”, decían unos. “¡Oh!”, clamaban otros. “¡Lo próximo será Alejandro Sanz!”, bramaban muy serios al fondo. “¡Primavera FIB!”, afirmábamos por aquí. Puede que nunca me haya asombrado más una ola de tuitindignación de este estilo: hasta ese momento, los delitos de los que se podía acusar a Franz Ferdinand eran haber entregado un primer disco perfecto, uno de las mejores canciones de la década pasada y un par de trabajos posteriores más o menos inspirados pero siempre con momentos brillantes. Y para colmo, eran divertidos y siempre convertían sus conciertos en una fiesta, lo cual los convertía precisamente en el grupo de festivales ideal.

Había pasado ya un cierto tiempo (las pausas en una banda de este estilo pueden llegar a ser letales), la sensación general frente a este Right Thoughts, Right Words, Right Action era de ser esperado con los cuchillos bien afilados y supongo que todo ese primer párrafo apenas viene a justificar que yo no me encontraba en ese grupo, que nada me habría gustado más que volver a tener un buen disco de Franz Ferdinand que echarme a la boca. Que nada hace más falta en un mundo en el que Red Hot Chili Peppers amenazan con nuevo disco que un grupo de guitarras macarra, despreocupado y entretenido. Pero una cosa es la buena predisposición y otra es que la mediocridad que reina aquí no acabe por imponer su lógica.

Franz Ferdinand saben arrancar un disco

El disco empieza con ‘Right Action‘, uno de los dos singles que los escoceses han lanzado simultáneamente y que han acabado por neutralizarse un poco el uno al otro. La cosa no empieza mal del todo: razonablemente enérgica y perfecta para introducirnos en el mundo del grupo, funciona bien como un “Previously on Franz Ferdinand” que probablemente haga falta después de todo este tiempo: que nos recuerden, en definitiva, por qué molaron. Para redondear, el vídeo remite hábilmente a la cuidadísima estética de su debut, recuperando incluso a Jonas Odell para la causa. Bien, parece que hay ganas, bajamos la guardia.

Después llega ‘Evil Eye‘, con hechuras de banda sonora de película de terror de serie B, y la cosa mantiene el interés lo suficiente para llevarnos a ‘Love Illumination‘, el corte más interesante del conjunto y el único realmente memorable. Esa estructura juguetona, ese organillo disparatado, esa sección de vientos… Eso era lo que habíamos venido a buscar aquí, eso era realmente lo que queríamos de estos tipos. Pero ah, es que ahí se acaba el disco, justo cuando estaba en lo mejor. El vecino se ha quejado del volumen de la música y, en vez de buscarse problemas, el otrora pendenciero Kapranos decide ser un buen chico y pasarse el resto de la noche echando una partida de mus y hablando bajito.

Aún quedan siete canciones para llegar a diez

Stand on the Horizon‘ levanta el pie del acelerador y, por mucho que acabe animándose un minuto después, para entonces ya es demasiado tarde y acaba haciéndose hasta larga. Y después llega ‘Fresh Strawberries‘ (atención a ese premonitorio “We will soon be rotten / We will all be forgotten”), que parece que pretende ser un punto de inflexión en el disco pero acaba simplemente demostrando que tirar por la vía de The Beatles no es desde luego lo que mejor se les da a estos tipos.

Como tampoco lo es ese pop de sintetizadores contra el que se estrellan repetidamente en el soporífero tramo final del disco sin que les salga bien ni una sola vez. El oyente busca riffs como un yonqui y sólo encuentra cosas como tan fallidas y desganadas como ‘The Universe Expanded‘ y, cuando parece que el tema se anima (como en ‘Bullet‘, desesperado intento de hacer una nueva ‘Michael‘), lo único que consiguen es sacar una canción atolondrada que no acaba por llegar a ningún sitio.

Al margen de su falta de inmediatez, supongo que lo que más me molesta de Right Thoughts, Right Words, Right Action es que, a diferencia de sus trabajos anteriores, no sé de qué va. Incluso el discutido por muchos Tonight (ya lo he dicho otras veces: no por mí) tenía claro de dónde partía y hacia dónde se dirigía; aquí, sin embargo, sólo veo un grupo tocando todas las teclas posibles, desesperado por llamar la atención. Un grupo que, si lo que perseguía era evitar a toda costa que nos olvidáramos de ellos, bien podía haber lanzado un single doble o un EP majo que sirviera como excusa para seguir pasándonoslo bien en sus conciertos. Nadie se lo hubiera recriminado.

4,50
No es así y entregan un disco saturado de relleno, con muy poca chicha y (su pecado mortal) no demasiado divertido. Su último corte, ‘Goodbye Lovers & Friends‘ es una de esas canciones que parece destinada a hacerle el trabajo a reseñas como ésta: en ella, Kapranos canta a su propio funeral mientras dice “Don’t play pop music / You know I hate pop music”. No hace falta decir mucho más: todo nace, crece y muere y Franz Ferdinand son ya un grupo plenamente amortizado. Echémonos un último baile con ellos en sus conciertos, démosles las gracias por los servicios prestados y pasemos a otra cosa. A fin de cuentas, su peor disco será seguramente también el último.

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Hay que escuchar a Los Brincos [Poliptoton]

Los Brincos

Hace ahora 40 años se estaba gestando algo muy gordo en la escena de la “canción ligera” española. Un hombre llamado Luis Sartorius abandona un grupo llamado Los Estudiantes y decide pasarse al otro lado, a la producción musical. Pronto acaba trabajando para la discográfica Zafiro, que está desarrollando un nuevo sello precisamente pensado para lanzar a artistas noveles (de ahí su nombre, Novola, se supone que un juego de palabras con “nueva ola”). Allí, en un momento en el que todas las miradas del mundo se dirigían hacia Liverpool, ve claro cuál debe ser su proyecto estrella: hay que crear a los Beatles españoles. Hay que crear a Los Brincos.

No tarda en ponerse en contacto con uno de sus antiguos compañeros en Los Estudiantes, el batería Fernando Arbex, que pronto acabaría revelándose como la pieza fundamental del grupo (y, de hecho, una de las personalidades esenciales de la música española). De otra banda, Los Pekenikes, reclutan a Juan Pardo y Antonio Morales, “Junior”, y rematan la formación con el bajista Manuel González. Con la alineación completada, hay que pensar en la ambiciosa empresa de adaptar la fórmula de The Beatles (diferentes voces, armonías vocales, una estudiada combinación de juventud, pose y arrogancia) con un toque “de aquí” que va desde los arreglos musicales hasta la propia vestimenta: los miembros del grupo aparecen siempre con capa española y pantalones con cascabeles. Algo así como unos tunos ye-yes. El producto estaba listo para venderse, pero su creador no llega a verlo en las estanterías: Luis Sartorius muere en 1964, antes de que Los Brincos publiquen siquiera su primer single.

Ese single fue ‘Flamenco‘, hit pluscuamperfecto que resume a la perfección, y en sólo dos minutos, todas esas pretensiones. Rock’n‘roll en castellano, con toques flamencos y una chulería casi macarra (impagables esos gritos de fondo, “tacatá” incluido) y todo ello con una base revolucionaria: la autosuficiencia. Los Brincos hicieron lo que nadie más hacía en España en aquel momento: tocar ellos mismos sus instrumentos en las grabaciones (prescindiendo de músicos de estudio) y componer sus propias canciones (la mayoría obra de Arbex, pero firmadas por todos). No serían el primer grupo en hacerlo (en música nadie es nunca el primero en nada), pero sí serían el primer gran grupo en hacerlo. Por esa época aparece también la esencial figura de Mariní Canejo, directora artística de Zafiro (sí, una mujer, en aquella España) que vendría a convertirse en su George Martin particular y se encargaría incluso de pasar las composiciones a partituras musicales, única forma de que un grupo de chavales sin formación musical pudiesen registrar legalmente sus canciones.

Flamenco‘ aparecería luego en su primer álbum, Los Brincos (1964), un prodigioso disco acompañado de un lanzamiento promocional sin precedentes hasta entonces, que sigue asombrando hoy en día con su manera de conjugar merseybeat, rock’n‘roll y rythm and blues. Con un tracklist cantado a medias entre inglés y español, el ramalazo Lennon-McCartney se dispara en cortes como ‘I’m Not Bad‘ o ‘What’s the Matter With You‘, pero también hay hueco para baladas más deudoras de la canción española como ‘Es como un sueño‘, bastante espeluznante en su parte vocal pero con una producción de lo más interesante. El disco era, antes de nada, algo nunca visto hasta entonces: profesional. Y lo que probablemente es más importante: dio dinero, con lo cual abrió un camino y despertó el interés de una industria que todavía no sabía que podía llegar a ser tal. Se había creado una fórmula que, por supuesto, iba a seguir explotándose hasta la extenuación.

Para cuando llega 1966 ya han grabado Los Brincos II, que es una mimética continuación de la primera entrega en todos los sentidos: la discográfica vuelve a hacer un gran esfuerzo publicitario, las coordenadas estilísticas siguen siendo las mismas e incluso la exitosa ‘Borracho‘ parece el nuevo equivalente de ‘Flamenco‘ y busca mantener esa idea de música gamberra que tampoco escandalice excesivamente.

El disco, grabado en Milán buscando elevar el listón de la calidad de producción, adolece quizá de la espontaneidad de su predecesor, pero a cambio incluye cortes como la redonda ‘Mejor‘, una de sus mejores canciones, con producción a lo Phil Spector e irresistible estructura pop. Y la idea primigenia del grupo no se pierde de vista en absoluto: firmaron aquí su ‘Yesterday‘, igual que más tarde harían su ‘Ticket To Ride‘ o su ‘Paperback Writer‘. Si en el resto del mundo había Beatlemanía, aquí había Brincosis. Estaban en la cima.

Llegó entonces lo que llega siempre en estos casos: la lucha de egos. Con una desastrosa actuación en el Festival de Benidorm retransmitida en directo por televisión como detonante, Juan Pardo y Junior, considerados “la cara visible” del grupo, se enfrentan a Arbex, irritados por las continuas diferencias de opinión en el seno del grupo, pero al descubrir que éste había registrado el nombre del grupo como su propiedad, abandonan para montar su propio proyecto, Juan y Junior, cuya existencia será también fugaz. La ruptura se había consumado.

Con ambos fuera de escena, Arbex asume por fin el control total de la banda. Mantiene a su lado a Manolo González (que en un principio se había mostrado neutral en la guerra interna) y ficha a dos componentes de Los Shakers, Vicente Ramírez y Ricky Morales, precisamente hermano de… Junior. En este punto Los Brincos se convierten probablemente en otra banda, una mucho más ambiciosa, compleja y probablemente también irregular: quizá ya no consigan firmar la misma cantidad de pelotazos (y de hecho su nivel de éxito popular se resiente considerablemente), pero el nivel de exigencia se eleva considerablemente y sitúa a la banda en el punto creativo más interesante de su trayectoria.

El primer disco de esta nueva etapa es el excelente Contrabando (1968) y sólo hace falta echar un vistazo a su magnífica portada (obra de Iván Zulueta, varios años antes de filmar la icónica Arrebato) para apreciar cómo las cosas han cambiado. Grabado por fin en Londres (ése había sido siempre el deseo, pero nunca habían tenido el dinero suficiente), una omnipresente sensación de paso adelante recorre todo el disco, que se abre con el que sería su último número uno, ‘Lola‘, e incluye cortes tan inspirados como la escandalosa ‘El pasaporte‘ (atención a la letra) o la melodramática ‘Nadie te quiere ya‘. Lo más sorprendente del lote es seguramente el psicodélico tema titular, avance de lo que estaba por llegar.

Y lo que estaba por llegar era una sorprendente y absolutamente suicida maniobra llamada Mundo, Demonio y Carne (1970), probablemente merecedora de un artículo propio. Arbex se planteó el cuarto disco de Los Brincos como la obra definitiva, la que habría de asimilar las nuevas tendencias del rock que empezaban a surgir (del progresivo a la psicodelia) y les colocaría definitivamente en el mapa a nivel internacional. El resultado fue un disco muy ambicioso, bastante bipolar (combina un denso corte inicial de 12 minutos con otros más ligeros que podrían encajar en cualquiera de sus referencias anteriores) e innegablemente irregular. Como era de esperar, la respuesta de un público que ya no las tenía todas consigo fue dar la espalda a un trabajo que ni entendieron ni mucho menos compraron. Grabado en dos versiones, una en inglés y otra en castellano, World, Devil and Body fue un estrepitoso fracaso que supuso el punto y final del grupo.

Los Brincos abrieron nuevas vías y triunfaron. Pero triunfaron durante un breve lapso de tiempo (el que va del primer al segundo disco: en realidad, a partir de la escisión todo empezó a ir cuesta abajo) y menos de lo que quizá deberían. Para disgusto de Fernando Arbex, que siempre consideró este aspecto prioridad absoluta, jamás consiguieron el éxito en el extranjero, como sí hicieron Los Bravos. No fueron los más queridos por el público ni lograron, como Los Sírex o Los Mustangs, arrasar en sus conciertos, que fueron escasos y poco trabajados. Tampoco lograron hacer carrera en el cine, como… de nuevo, Los Bravos.

En lo artístico, sin embargo, no hay discusión posible. En ocasiones, este grupo de niños bien de la capital que desafiaron a sus familias para hacer carrera en la música (hasta el último momento barajaron Las Ovejas Negras como nombre del grupo) se limitó a cumplir lo que se esperaba de ellos en términos comerciales y entregaron un puñado de baladones tóxicos, como ‘Un sorbito de champagne‘, ‘Esa mujer‘ o ‘Piccole cose‘, pero la mayor parte de su tiempo estuvo dedicado a entregar composiciones pop perfectas y a hacer avanzar a trompicones una escena prácticamente inexistente. Si el diálogo intergeneracional entre músicos españoles siempre ha sido escaso, la década de los 60 es (con algunas excepciones, es cierto, y cada vez más) casi territorio hostil, inhóspito y, sobre todo, desconocido para toda una franja de edad. Va siendo hora de reivindicar definitivamente y sin complejos lo mucho de bueno que hubo en ella. Como el torrente de creatividad y perfección melódica que fueron Los Brincos.


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Ihsahn publicará su nuevo disco, Das Seelenbrechen, en octubre [Black Gallego]

Ihsahn

Mientras aun dura el impacto de la reciente reunión de Emperor, que confirmaron también su presencia en el festival Bloodstock Open Air junto con el Wacken, y algunos sueñan con la posibilidad de un nuevo trabajo de la mítica banda de Black Metal (cosa muy improbable según los propios miembros), Ihsahn decide seguir con su carrera en solitario antes de tener que cumplir los compromisos anunciados.

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Pearl Jam le ponen imágenes a ‘Mind Your Manners’: gran trabajo de Danny Clinch [Chico de plexiglás]

Qué no Eddie, que no se puede lanzar el vídeo del single de adelanto de vuestro nuevo disco un viernes por la tarde a finales de agosto. Nadie está en casa y pocos van a tener la posibilidad de disfrutarlo al instante. Eso se hace un lunes cuando todo el mundo tiene ganas de noticias frescas y eso puede suponer un subidón. Pues sí, Pearl Jam ya tienen vídeo de ‘Mind Your Manners’ y no obstante eso nos ha alegrado el día y el fin de semana. Lo ha dirigido Danny Clinch y sí, nos ha gustado mucho.

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Nirvana y el montaje del director de ‘Heart-Shaped Box’: mejor que la versión definitiva [Chico de plexiglás]

Nirvana - Heart-Shaped Box

Nirvana vuelve a estar en el centro del huracán gracias a la In Utero 20th Anniversary Edition. Como ocurrió hace dos años con Nevermind, la super deluxe edition incluirá un montón de rarezas, maquetas, caras B e incluso el concierto denominado Live And Loud que el grupo dio en Pier 48, en Seattle, en diciembre de 1993. También allí encontraremos el montaje del director Anton Corbijn del vídeo de ‘Heart-Shaped Box’.

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Mount Kimbie – Cold Spring Fault Less Youth: sorprendente reciclaje hacia una música más orgánica [Ferraia]

Mount Kimbie Cold Spring Fault Less Youth

Mount Kimbie ya dejaron muy buenas sensaciones en 2010 con su debut Crooks & Lovers. Tres años después y con los ojos puestos en este proyecto, para ver si seguirían por el buen camino, Cold Spring Fault Less Youth no ha hecho más que confirmarlo. Tras un buen paseo por el future garage y su expansionismo, con los correspondientes extras de otras ramas que los londinenses incluían, en este nuevo álbum Mount Kimbie reducen su paleta sonora, pero reciclan su música y aportan mejores acabados para las canciones que lo integran.

El salto a Warp y el abandono del (post) dubstep

En 2010, Mount Kimbie se encontraban en el joven sello Hotflush, donde se encontraban entre otros, Scuba. Ambos deslumbrando y con un prometedor porvenir. Ahora se han consolidado como buenos productores. No obstante, los de Londres han pasado ahora a jugar en la liga de los mayores, debutando en Warp Records, casa de, entre otras divinidades, Aphex Twin, Squarepusher, Autechre, y jóvenes talentos como Africa Hitech o Flying Lotus. En este sentido, parece que todo está dispuesto para que acaben de explotar todo el potencial que irradiaron en su ópera prima.

Al igual que su ahora compañero de sello, Flying Lotus, en Mount Kimbie desde el principio apostaron por combinar ese future garage que venía del dubstep con sonidos erráticos propios del glitch y con gotas de IDM. En esta segunda entrega en formato larga duración, han optado por rebajar estas cargas y acercarse a un sonido más luminoso y con beats más marcados, lo cual no quita para que aún quede alguna reminiscencia de herencia dubstep o ambiente oscuro. Puede que haya sido el camino de dirigirse a Warp, pues con este trabajo se acerca a producciones que en ocasiones están en una órbita cercana a la de Rustie (también compañero de sello), donde hay gran peso de atmósferas portentosas y con notable vitalidad.

Con todo, en esa parte que queda de Crooks & Lovers, en la que los beats flotaban sobre tenues capas de garage, han sabido rodearse de un buen elemento para llamar la atención: King Krule, que de forma inminente debutará con su esperadísimo 6 Feet Beneath the Moon, y que da un toque de hip hop al disco. A este respecto, la combinación de ambos factores, tanto a nivel vocal como musical, no queda nada mal. De esta forma, aumenta la accesibilidad al sonido de Mount Kimbie, que sigue manteniendo las formas con respecto a su predecesor, aunque se echa de menos esa parte synth y más glitch que este poseía. Ha perdido en matices. Aun así, ha elaborado un buen trabajo que no representa ninguna piedra en el camino si analizamos en perspectiva su corta discografía.

Su fichaje para Warp era algo lógico después de ese buen debut, en el que se acercaba al glitch hop y al wonky de Flying Lotus o Shigeto. Ahora, una vez en la casa de los grandes, ha reducido considerablemente el contenido dubstep, el que ha ido reciclando para dar cabida a sonidos más cuidadosos con el ambiente como lo es el future garage. Asimismo, se empapa de otros productores de su propia escudería discográfica y de otros artistas que al igual que él hace ahora, están o han estado en un proceso de reciclaje hacia un wonky más pulido tras superar la herencia dubstep (Rustie, Shlohmo). El resultado lo podemos ver en ‘You Took Your Time’, con ese sonido más cuidado y minimalista al que Krule pone voz por primera vez en el disco (y que asegura mayor gancho comercial) o en los ritmos apacibles y coloridos de ‘Break Well’.

Cold Spring Fault Less Youth, reduciendo el abanico sonoro

Una de las cosas más interesantes del primer disco de los londinenses era su amplitud de miras a la hora de aplicar diferentes ramas de la electrónica (dubstep, future garage, wonky, IDM…). Esa dispersión apenas existe en Cold Spring Fault Less Youth, más allá de las estrechas y difusas líneas que delimitan algunas de estas etiquetas. Han decidido centrarse para definir un sonido de una forma más seria, y no está mal, a pesar de que se eche de menos algo más de oscuridad. Poco queda por tanto de esas bases de línea infecciosa que puede aportar el dubstep. Hay algún resquicio en la calma contaminada de ‘Sullen Ground’ y en ‘Lie Near’, donde sobrevuela esa atmósfera sucia que daba la bienvenida en Crooks & Lovers.

Con Cold Spring Fault Less Youth por tanto, Mount Kimbie se alejan considerablemente de los patrones de su ópera prima para centrarse en temas más orgánicos e intimistas, pero muy elegantes a la vez. Así lo atestiguan el corte anunciacolonias de adictiva caja de ritmos ‘Made To Stray’, de lo mejor del álbum, y la joya ‘So Many Times, So Many Days’ con su bajo señorial. Dominic Maker y Kai Campos han encontrado un punto intermedio en el que se encuentran a gusto, en el que pueden combinar la moderación y elegancia del future garage con la luminosidad del wonky, pero sin hacer de este algo épico y contundente. Para eso ya hay otros productores. En Warp, sin ir más lejos.

A primera escucha, es un trabajo menos elocuente con respecto al anterior, pero los cambios introducidos aparte de los musicales, como por ejemplo el utilizar ellos mismos su voz, son modificaciones que aportan un elemento que suma y no sobrecarga su música. En definitiva, se trata de un álbum que gana con las escuchas y en el que han hecho un aceptable reciclaje de su propuesta inicial, centrando la concepción del disco y sin tanta dispersión sonora. Aun así, a este le falta un poco más de cuerpo, no parece el paso lógico una vez consumado el debut.

nota Mount KimbieEs un buen trabajo, pero demasiado intimista para lo que ellos pueden ofrecer. Que esperáramos un álbum más ambicioso y con más matices no es óbice para ocultar su buen hacer a la hora de reciclar su sonido y sorprender, deformando este para convertirlo en algo más intimista que, lejos de aburrir, engancha.

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Mis años 90 en formato disco (II) [Cronopio]

principe-de-bel-airMucho ha cambiado la relación que tenemos con la música, nuestra música, desde los años 90 hasta la actualidad. Evidentemente la música sigue siendo un elemento fundamental en nuestras vidas, erigiéndose en compañera en momentos de soledad o en vehículo de transmisión o dinamización de ideas, deseos o anhelos. Sin embargo, la forma en que nos acercamos a la música, cómo la consumimos, ha cambiado de forma radical, y he de reconoceros que para peor.

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Salen a la luz las primeras sesiones de estudio de Pearl Jam [Chico de plexiglás]

pearl-jam

Mientras esperamos la salida de Lightning Bolt, el nuevo disco de estudio de Pearl Jam, cuya fecha está prevista para el 15 de octubre, un usuario de YouTube compartió las consideradas primeras sesiones de estudio del grupo norteamericano datadas en octubre de 1990, el mismo mes en el que se certifica que la formación debutó como Mookie Blaylock en el Club Off Ramp de Seattle bajo el padrinazgo de Alice in Chains. Aunque la plataforma de vídeos de Google ha retirado el vídeo el archivo de audio ya está disponible en Internet.

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Nace el Materia Oscura Festival: rebuscando entre el underground nacional [Poliptoton]

Materia Oscura Festival

Más eventos para apuntar en la agenda de cara al nuevo curso. En este caso hablamos del Materia Oscura Festival. Festival de discos brillantes, que tendrá lugar en La Casa Encendida de Madrid el sábado 5 y el domingo 6 de octubre y que se plantea como punto de encuentro de las propuestas más interesantes del underground español (signifique eso lo que signifique).

La cuestión es que esta más que interesante propuesta incluye actuaciones de grupos de diversos estilos (del garage al punk o la psicodelia) como Fantasmage, Antiguo Régimen o Las Ruinas, una feria discográfica en la que participarán más de una veintena de sellos independientes y varias sesiones DJ.

En palabras de sus organizadores, Materia Oscura es “una excusa para sacar a estos artistas a la luz, que propicie la venta cruzada, el intercambio de ideas, un espacio donde se puedan adquirir sus esquivas obras y degustar sus actuaciones en vivo, una fiesta con la que celebrar tanto talento”. Éste es el programa completo:

Sábado 5

Feria discográfica

DJ’s
Autoplacer
Burka for Everybody
Musagre Tapes
Discos Humeantes

Directo
Fantasmage
Antiguo Regimen
Travesti Afgano
Corte Moderno

Domingo 6

Feria discográfica

DJ’s
Alegres Bandoleros
Seara
Gssh! Gssh!
Domestica

Directo
Las Ruinas
·Y·
Prisma en Llamas
Miguelito Nubesnegras

Próximamente se publicará la información correspondiente sobre precios, reservas y horarios.

Web oficial | Materia Oscura Festival


news Nace el Materia Oscura Festival: rebuscando entre el underground nacional was originally in Hipersónica by Poliptoton.



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En este blog distribuimos toda la información que encontramos sobre conciertos, discos, bandas, etc. Un blog sobre la música que te gusta, los mejores grupos, los conciertos más grandes y los más pequeños. Lee sobre rock, en un blog pensado para disfrutar de la música y todo lo que la rodea. Recuerda que este post fue originalmente publicado en: Hipersónica http://feeds.weblogssl.com/~r/hipersonica/~3/00xJe1A4S0o/nace-el-materia-oscura-festival-rebuscando-entre-el-underground-nacional ¿El rock está muerto? ¿El rock es cultura? ¿el rock es una forma de vida? Rock español e internacional, para los mejores oídos.